Comedia Musical en Azul Fest es un espacio dedicado a la magia del teatro musical, donde la danza, la actuación y el canto se fusionan para contar historias llenas de emoción y creatividad. Este estilo destaca por su capacidad de transportar al público a mundos imaginarios a través de una interpretación integral.

Cada presentación debe reflejar una narrativa clara y cautivadora, con transiciones fluidas entre los elementos coreográficos, interpretativos y vocales. La expresividad, el carisma y la conexión emocional con el público son esenciales, complementados por un diseño escénico y un vestuario acorde a la historia que se desea contar.

El objetivo de Comedia Musical en Azul Fest es resaltar el talento multifacético de los artistas, permitiendo que la técnica y la creatividad sean herramientas para construir personajes y transmitir emociones. Este espacio celebra la unión del arte escénico en su máxima expresión, ofreciendo una experiencia inolvidable tanto para los participantes como para el público.

Se tendrá una tolerancia de 10 segundos.

En el caso de no ser cumplido con el tiempo reglamentario

se podrá llevar a la descalificación del grupo.

Por favor colabore, controle bien su tiempo.

En todos los casos el cronometraje de la rutina comenzará

con el 1° movimiento coreográfico o nota musical y finalizará de la misma forma.

La técnica en Comedia Musical es un pilar fundamental que combina elementos de danza, teatro y expresión escénica. Se evaluará la calidad de ejecución técnica, la fluidez de los movimientos y la integración de la interpretación con la danza, asegurando que la ejecución refleje la esencia del género.

1.1 Ejecución de movimientos (10 puntos)

Evalúa la precisión, control y calidad técnica de los movimientos ejecutados, asegurando que estén alineados con el estilo de la coreografía.

Se espera que la ejecución refleje claridad en la intención del movimiento, evitando rigidez o falta de expresividad.

Se valorará la correcta aplicación de la técnica correspondiente al estilo coreográfico de la obra (Jazz, Broadway, Tap, entre otros).

La interpretación y el lenguaje corporal deben estar alineados con la narrativa de la comedia musical, evitando movimientos desconectados de la intención escénica.

Se evaluará la transición fluida entre momentos de baile, interpretación teatral y expresión musical.

Para solistas: Se medirá la capacidad de ejecutar movimientos técnicamente sólidos sin perder la expresividad y la coherencia con el personaje interpretado.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Además de la ejecución individual, se analizará la uniformidad del grupo en la ejecución de la técnica y la cohesión entre los intérpretes.

1.2 Transiciones (10 puntos)

Evalúa la fluidez y naturalidad de las conexiones entre movimientos y cambios de escena, asegurando que las transiciones sean orgánicas y bien estructuradas.

En Comedia Musical, las transiciones deben fluir de manera natural y expresiva, evitando cortes bruscos o pausas innecesarias.

Se valorará el uso de desplazamientos, cambios de nivel y entradas y salidas del escenario que enriquezcan la puesta en escena.

Se espera que los cambios entre baile y actuación sean coherentes y sin interrupciones en la energía escénica.

Se penalizarán transiciones que generen vacíos en la coreografía o que rompan la continuidad narrativa del número musical.

Para solistas: Se evaluará cómo el intérprete enlaza cada movimiento con fluidez, manteniendo la continuidad escénica sin interrupciones.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la sincronización en los desplazamientos y cambios de posición, asegurando que las transiciones sean dinámicas y bien ejecutadas.

1.3 Control corporal (10 puntos)

Evalúa la estabilidad, coordinación y alineación del cuerpo durante la ejecución de la coreografía, asegurando que la técnica se combine con la expresividad sin perder calidad.

Se espera una postura alineada y controlada que permita una ejecución precisa y expresiva.

La respiración y la proyección corporal deben estar en sintonía con la interpretación y el uso de la voz en caso de canto en vivo.

Se valorará el control de peso y la fluidez en los cambios de dinámica, asegurando seguridad en desplazamientos y giros.

Se penalizarán ejecuciones con falta de estabilidad o movimientos imprecisos que afecten la calidad del número musical.

Para solistas: Se evaluará la capacidad del intérprete de sostener el control corporal en cada movimiento, garantizando seguridad en la ejecución.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la uniformidad en la postura y control corporal entre los integrantes del grupo, asegurando una imagen cohesiva y bien ejecutada.

Normas Específicas

Los movimientos deben reflejar la identidad de la Comedia Musical, manteniendo coherencia entre técnica y expresividad.

Las coreografías deben mostrar dominio de la fusión entre danza y actuación, asegurando que ambos elementos se integren con naturalidad.

 

El grupo debe trabajar en sincronía y con cohesión visual, evitando desbalances en la intensidad y energía de los intérpretes.

La coreografía en Comedia Musical es una fusión entre danza, interpretación y puesta en escena, donde cada movimiento debe tener un propósito dentro de la narrativa. Se evaluará la capacidad del coreógrafo y los intérpretes para integrar pasos técnicamente sólidos con una expresión teatral efectiva y un uso estratégico del espacio escénico.

2.1 Creatividad y Originalidad (10 puntos)

Evalúa la capacidad de innovar en la coreografía, asegurando que los movimientos refuercen la historia y los personajes.

Se valorará el uso de secuencias coreográficas originales y bien estructuradas que aporten al desarrollo de la escena.

La coreografía debe estar alineada con el tono de la obra y el carácter de los personajes, evitando secuencias genéricas que no aporten a la interpretación.

Se premiará la creatividad en el uso de elementos escénicos, accesorios o efectos visuales, siempre que complementen la propuesta sin afectar la ejecución.

Se evaluará la capacidad de los bailarines para adaptar su estilo a diferentes géneros dentro del musical, desde números de jazz Broadway hasta secuencias más contemporáneas.

Para solistas: Se medirá la capacidad de sostener una interpretación atractiva y original sin perder la conexión con la narrativa del musical.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará cómo los movimientos individuales se integran en una puesta en escena grupal dinámica y cohesiva.

2.2 Complejidad Técnica (10 puntos)

Analiza el nivel de dificultad de la coreografía y su ejecución dentro del contexto teatral.

Se espera que la coreografía contenga una variedad de técnicas y dinámicas, incluyendo cambios de energía, desplazamientos y uso del espacio.

En coreografías grupales, se evaluará la coordinación de los bailarines en números con múltiples capas de movimiento simultáneo.

Se valorará la capacidad de bailar e interpretar al mismo tiempo, asegurando que los movimientos sean claros sin afectar la proyección escénica.

En caso de canto en vivo, se tomará en cuenta el manejo de la respiración y la continuidad del movimiento sin afectar la calidad vocal.

Para solistas: Se evaluará el dominio de secuencias de alta complejidad, asegurando fluidez en la ejecución y la interpretación.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará cómo la dificultad individual se complementa con la cohesión grupal, generando un impacto visual poderoso.

2.3 Uso del Espacio (10 puntos)

Evalúa la distribución y el aprovechamiento del espacio escénico dentro de la coreografía, asegurando una puesta en escena equilibrada y estratégica.

En Comedia Musical, el uso del escenario es clave para reforzar la narrativa y el impacto de la coreografía.

Se valorará la integración de los bailarines con escenografía, iluminación y cambios de formación para mantener una puesta en escena dinámica.

Se espera que la ocupación del espacio sea equilibrada y funcional, evitando zonas vacías o formaciones estáticas prolongadas.

Se penalizará el uso desordenado del espacio o la falta de intención en los desplazamientos.

Para solistas: Se evaluará la capacidad del intérprete para usar el escenario de manera efectiva, asegurando una interpretación expresiva y variada.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la interacción entre los bailarines y el espacio escénico, asegurando una distribución estratégica y visualmente atractiva.

Normas Específicas

La coreografía debe reforzar la narrativa del musical, asegurando que los movimientos tengan un propósito dentro de la historia.

El uso de elementos escenográficos debe ser funcional, complementando la puesta en escena sin afectar la ejecución técnica.

Se valorará la integración de diferentes estilos de danza dentro del musical, asegurando una transición fluida entre ellos.

 

Los cambios de formación y desplazamientos deben ser estratégicos y bien sincronizados, evitando transiciones forzadas o vacíos escénicos.

La musicalidad en Comedia Musical es un factor clave que une la danza, la interpretación y el ritmo de la obra. Se evaluará la capacidad de los bailarines para sincronizar sus movimientos con la estructura musical, interpretar los cambios de dinámica y proyectar la emoción de la pieza a través de la musicalidad corporal.

3.1 Interpretación Musical (10 puntos)

Evalúa la conexión entre los movimientos y la estructura musical, asegurando que cada acción refuerce la narrativa y la expresividad de la escena.

Se espera que los bailarines reflejen los acentos, cambios de tempo y variaciones de intensidad de la música con precisión y expresividad.

Se valorará el uso de pausas, efectos de contraste y matices dentro del movimiento para enriquecer la interpretación escénica.

La musicalidad debe integrarse tanto en secuencias de baile como en momentos de actuación, asegurando que el ritmo corporal se mantenga incluso en las transiciones teatrales.

En números con canto en vivo, se evaluará la capacidad de los bailarines para mantener la sincronización con la música sin comprometer la calidad vocal.

Se penalizarán movimientos que no reflejen la estructura musical o que se vean desfasados del tempo de la pieza.

Para solistas: Se analizará la capacidad del intérprete para interpretar musicalmente la escena, manteniendo coherencia entre la danza y el acting.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evaluará la precisión rítmica colectiva, asegurando que todos los integrantes mantengan la misma calidad en la interpretación musical.

Elementos Clave de la Musicalidad en Comedia Musical

Precisión rítmica: Cada movimiento debe estar alineado con los acentos y el tempo de la música.

Uso de pausas y cambios de dinámica: Se valorará la incorporación de silencios y contrastes para enriquecer la interpretación.

Integración con la actuación: La musicalidad debe ser expresiva y estar en función de la narrativa de la obra.

Sincronización en números grupales: Todos los intérpretes deben mantener un ajuste rítmico preciso con la música y entre sí.

Normas Específicas

Cada movimiento debe estar en sintonía con la estructura musical del número, evitando ejecuciones fuera de tempo o carentes de intención rítmica.

Se valorará el uso expresivo del ritmo en la interpretación, asegurando que la musicalidad no se limite a los pasos de baile, sino que se proyecte en cada acción escénica.

En coreografías con canto en vivo, la musicalidad debe estar alineada con la interpretación vocal, asegurando un equilibrio entre movimiento y expresión sonora.

 

Se penalizará la falta de sincronización musical entre los bailarines en coreografías grupales, ya que afecta la cohesión de la puesta en escena.

Este bloque evalúa la calidad de ejecución de cada bailarín y la cohesión dentro del grupo, asegurando que la interpretación individual y colectiva sean claras, expresivas y técnicamente correctas.

4.1 Ejecución Individual (Solistas) (15 puntos)

Evalúa la precisión, control y expresividad del bailarín a lo largo de toda la presentación.

El solista debe demostrar una ejecución técnica precisa, asegurando que cada movimiento refleje claridad y control corporal.

Se espera que la interpretación se mantenga constante durante toda la pieza, con una proyección escénica fuerte y conectada con la historia.

La coordinación entre la danza y la actuación es fundamental; el intérprete debe lograr un equilibrio entre la técnica y la expresión teatral.

Se valorará la capacidad del bailarín de adaptar su energía a las diferentes dinámicas de la música y la escena, manteniendo la calidad de la ejecución.

Se penalizarán movimientos imprecisos, falta de control o ejecuciones desconectadas de la narrativa del musical.

Para solistas: Se evaluará la capacidad del intérprete para sostener la calidad de ejecución técnica y la interpretación escénica de manera equilibrada.

4.2 Sincronización y Cohesión (Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (10 puntos)

Evalúa la coordinación grupal y la uniformidad en la ejecución del movimiento y la interpretación teatral.

Se espera que los bailarines mantengan una sincronización precisa en los tiempos, transiciones y formaciones, asegurando una ejecución visualmente cohesiva.

En Comedia Musical, la cohesión grupal es clave para mantener la energía de la escena y reforzar la conexión con el público.

Se valorará que cada intérprete mantenga su personaje y expresión dentro del grupo, sin perder la unidad escénica.

Se penalizarán diferencias de intensidad, tiempos desfasados o ejecuciones individuales que no estén alineadas con el conjunto.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la precisión en la sincronización y la capacidad de mantener la cohesión grupal sin perder la individualidad de cada intérprete.

4.3 Uniformidad (Solo para Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (5 puntos)

Evalúa la homogeneidad en la ejecución de los movimientos, asegurando que todos los integrantes reflejen la misma energía, proyección escénica y calidad técnica.

La alineación corporal, la proyección y la interpretación deben mantenerse consistentes entre todos los integrantes del grupo.

Se espera que la intensidad del movimiento y la expresividad sean equivalentes en cada bailarín, evitando diferencias notorias en la energía.

Un equipo sólido debe moverse con fluidez y precisión, logrando que cada bailarín contribuya a la escena sin desentonar con el conjunto.

Se penalizarán diferencias marcadas en el nivel técnico o la actitud escénica entre los integrantes del grupo.

Elementos Clave de la Ejecución en Comedia Musical

Definición y claridad en los movimientos: Cada paso debe ejecutarse con precisión y con intencionalidad escénica.

Conexión con la música y la historia: La ejecución debe responder directamente a los cambios rítmicos y narrativos de la obra.

Energía y presencia escénica: La actitud y seguridad en la interpretación deben mantenerse durante toda la presentación.

Sincronización grupal: En equipos, la unidad y coordinación son fundamentales para el impacto visual de la escena.

Normas Específicas

Cada bailarín debe mantener una ejecución firme y con proyección escénica, evitando variaciones de energía dentro del grupo.

La sincronización debe ser precisa en todo momento, reflejando una cohesión visual fuerte en formaciones y transiciones.

Se penalizarán diferencias de calidad en la ejecución, asegurando que todos los bailarines mantengan un nivel homogéneo en la presentación.

La interpretación y la técnica deben ir de la mano, asegurando que cada movimiento contribuya al desarrollo de la historia y la emoción de la escena.

El impacto visual en Comedia Musical es un factor clave que refuerza la puesta en escena y potencia la narrativa del espectáculo. Se evaluará la estética general de la presentación, incluyendo vestuario, caracterización, puesta en escena y cohesión visual, asegurando que cada elemento contribuya a la historia y al estilo de la obra.

5.1 Vestuario y Caracterización (10 puntos)

Evalúa la coherencia del vestuario y los elementos visuales en relación con la historia, los personajes y la propuesta escénica.

El vestuario debe reflejar la esencia de la obra y el carácter de los personajes, asegurando que sea funcional y permita una ejecución fluida de la coreografía.

Se valorará la coherencia entre la estética del vestuario y la época, estilo o ambientación del musical, evitando elementos que desentonen con la propuesta artística.

La caracterización (maquillaje y peinado) debe reforzar la identidad de cada personaje, asegurando que cada intérprete refleje el rol que desempeña en la historia.

En coreografías grupales, el vestuario debe garantizar cohesión visual sin restar individualidad a cada personaje.

Se penalizarán vestuarios que no sean funcionales para la ejecución de la coreografía o que no guarden relación con la propuesta escénica.

Para solistas: Se evaluará que el vestuario y la caracterización refuercen la interpretación y proyección del personaje.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la uniformidad y cohesión del vestuario, asegurando que todos los integrantes reflejen una imagen equilibrada y alineada con la historia.

Elementos Clave del Impacto Visual en Comedia Musical

Coherencia con la historia y los personajes: La estética debe alinearse con el concepto del musical.

Funcionalidad del vestuario: Debe permitir libertad de movimiento sin interferir en la ejecución técnica.

Estética llamativa y bien trabajada: Se valorará la creatividad y el uso de detalles que refuercen la presencia escénica.

Uniformidad grupal con individualidad de personajes: En coreografías grupales, la imagen debe ser cohesiva pero permitiendo que cada intérprete mantenga su identidad dentro de la obra.

Normas Específicas

El vestuario debe reforzar la puesta en escena sin restar protagonismo a la coreografía.

Se valorará la creatividad en la elección de colores, texturas y diseños, siempre que sean funcionales para la ejecución del movimiento.

Los accesorios y elementos de caracterización deben estar bien integrados y no interferir con la movilidad de los bailarines.

Se penalizarán vestuarios que no sean adecuados para la interpretación escénica o que generen distracciones innecesarias.

La conexión emocional es uno de los pilares de la Comedia Musical, ya que fusiona danza, actuación y canto en una sola interpretación. Más allá de la técnica, este bloque evalúa la capacidad de los intérpretes para transmitir sentimientos, construir personajes y generar un impacto escénico a través del lenguaje corporal, la expresión facial y la proyección emocional.

6.1 Proyección Escénica (5 puntos)

Evalúa la presencia, actitud y conexión con la audiencia, asegurando que cada movimiento y gesto esté cargado de intención y expresividad.

Cada intérprete debe reflejar su personaje de manera auténtica y convincente, evitando interpretaciones planas o desconectadas.

Se espera que la energía y la emoción se proyecten de forma natural, sin exageraciones que resten credibilidad.

La proyección debe mantenerse constante a lo largo de toda la coreografía, reflejando la intención de la escena en cada momento.

En coreografías grupales, todos los intérpretes deben mantener una coherencia en la intensidad y el estilo interpretativo, asegurando cohesión en la escena.

Se penalizará la falta de expresión, la desconexión con la historia o la pérdida de energía en la ejecución.

Para solistas: Se medirá cómo el intérprete logra llenar el escenario con su presencia y cómo transmite la emoción de su personaje.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evaluará que todos los integrantes proyecten la misma energía y conexión emocional, evitando diferencias que afecten la cohesión grupal.

Elementos Clave de la Conexión Emocional en Comedia Musical

Autenticidad en la interpretación: La conexión emocional debe ser genuina y alineada con el personaje y la historia.

Presencia escénica fuerte: La actitud y energía deben ser constantes y consistentes durante toda la rutina.

Interacción con la audiencia y los compañeros: Se valorará la capacidad de generar un impacto emocional tanto en el público como en la escena.

Cohesión grupal: En equipos, la conexión emocional debe ser uniforme, proyectándose como un elenco en sintonía.

Normas Específicas

La interpretación debe estar alineada con la narrativa y los personajes, evitando actuaciones que se sientan forzadas o desconectadas.

La energía y emoción deben mantenerse constantes a lo largo de la coreografía, reflejando los cambios dramáticos de la escena.

En coreografías grupales, la expresividad debe ser equilibrada y uniforme, sin diferencias marcadas entre los bailarines.

Se penalizará la falta de proyección escénica o la desconexión con la historia y los compañeros de escena.

Para garantizar la equidad y el cumplimiento de los estándares de competencia, se aplicarán deducciones en caso de que los participantes no cumplan con ciertos aspectos técnicos o estructurales de la presentación.

Las deducciones se restarán del puntaje total obtenido en la evaluación y aplicarán tanto a solistas, dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos.

7.1 Tiempo Excedido (Restará 3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido.)

Cada categoría tiene un límite de tiempo establecido para su presentación.

Si el tiempo total de la coreografía excede el máximo permitido, se descontarán 3 puntos por cada 10 segundos adicionales.

La duración debe ajustarse estrictamente a la reglamentación del torneo para evitar penalizaciones.

Sugerencia: Es recomendable ensayar con cronómetro para asegurarse de que la coreografía no supere el límite de tiempo.

7.2 Edición Musical Abrupta (Restará 5 puntos si la música termina de forma brusca.)

La edición musical debe ser limpia y fluida, asegurando que la pista finalice de manera natural o con un cierre adecuado.

Si la música se corta de manera repentina o sin un fade out o cierre progresivo, se aplicará una deducción de 5 puntos.

La edición debe estar alineada con el concepto coreográfico, evitando cortes que rompan la experiencia de la presentación.

Sugerencia: Se recomienda revisar la edición de la pista antes del evento y asegurarse de que tenga un cierre limpio.

Elementos Clave para Evitar Deducciones

Verificar la duración de la coreografía: Asegurarse de que la música no sobrepase el tiempo límite.

Editar la música correctamente: Evitar cortes abruptos o terminaciones inesperadas.

Ensayar con la pista final: Comprobar que la edición musical se ajuste bien a la coreografía antes de la competencia.

Nota Importante:

Restricción de Movimientos Peligrosos:

Está prohibido el uso de movimientos y latigazos cervicales en las categorías Baby e Infantil.

En las demás categorías, se recomienda prestar especial atención a la elección de los movimientos, priorizando siempre la seguridad de los bailarines.

Utilización de Elementos y Accesorios en Escena:

La elección de la música debe estar en relación con los elementos utilizados y con la historia que se desea contar o desarrollar en la coreografía.

Se recomienda crear situaciones y construir narrativas que puedan ser adaptadas al grupo, teniendo en cuenta la edad y el perfil de los bailarines.

Se desaconseja el uso de historias de adultos en coreografías infantiles.

Normas sobre el Uso de Elementos Escenográficos:

No habrá restricción en el uso de elementos, siempre que no sean acuosos ni permanezcan en el escenario tras la presentación, pudiendo entorpecer el número siguiente.

Está prohibido el uso de fuego, bengalas o materiales inflamables, ya que representan un riesgo para la seguridad de los participantes y el público.

Si se utilizan accesorios, el grupo deberá retirarlos en el apagón para garantizar la continuidad del evento.

Consideración de Destrezas:

No se evaluarán destrezas provenientes de otras disciplinas o estilos de danza ajenos a la competencia.

El proceso de evaluación se basa en una planilla detallada que abarca diversos aspectos de la presentación. A continuación, se detallan los ítems evaluados y su correspondiente puntaje:

Técnica (30 puntos):

Se evalúa la precisión, el control y la calidad técnica en la ejecución de movimientos, incluyendo transiciones fluidas y control corporal.

Coreografía (30 puntos):

Creatividad y originalidad.

Complejidad técnica.

Uso eficiente del espacio escénico.

Musicalidad (10 puntos):

Interpretación precisa y conexión con los elementos rítmicos y dinámicos de la música.

Ejecución (15 puntos):

Solistas (15 puntos):

Se valora el dominio escénico, la proyección individual y la capacidad de mantener precisión y expresividad durante toda la presentación.

Duos, Trios, Equipos, Grupos y Mega Grupos (15 puntos):

Incluye sincronización, cohesión y uniformidad entre los integrantes, asegurando una ejecución colectiva homogénea.

Impacto Visual (10 puntos):

Vestuario y caracterización, alineados con el estilo y la propuesta artística de la coreografía.

Conexión Emocional (5 puntos):

Capacidad de transmitir emociones, proyección escénica y conexión con el público.

Total: 100 puntos

Deducciones:

Tiempo excedido: -3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido (después de los 10 segundos de tolerancia).

Edición musical abrupta: -5 puntos si la música termina de forma brusca.

El profesor es responsable del ingreso y egreso de su alumnado a escena, de revisar la forma de salida e ingreso.

Es responsable civil por cada uno de sus alumnos y por él mismo, y deberá firmar convenio de participación antes del evento como asimismo presentar la documentación, fotocopias de las categorías menores de 18 años con la autorización de los Señores Padres.

La organización obliga al profesor a contratar seguro de responsabilidad por su equipo y el mismo, alumnado y asistentes, o acompañantes, por lesiones o cualquier otro daño que puedan sufrir los participantes a su cargo. Caso contrario se responsabiliza por los inconvenientes originados por tal motivo.

Debe el profesor haber leído y comprendido este reglamento, dirijo solo a los docentes que manejen y empleen técnica de danza con su alumnado, comprendiendo que puede ser re categorizado si su presentación tiene o no la técnica correspondida, y no puede discutir jamás la decisión del jurado.

IMPORTANTE: Los menores de 2 (dos) años no abonan entrada, pero tampoco OCUPAN ASIENTO, caso contrario deberán abonar la misma.

Queda prohibido ocupar los pasillos, de pie, sentados, sea el motivo que fuera.

Cada persona deberá permanecer ubicada en su asiento durante el desarrollo de todo el espectáculo.

Es obligación del docente transmitir estas normas a su público participante.

En el momento de las premiaciones subirá solamente el docente representando a su escuela.

En camarines estará permitido sólo el ingreso del docente y un adulto debidamente identificado por la productora. En el caso que fuera un grupo de más de 30 personas mayoritariamente infantiles, se permitirá el ingreso de un adulto más.

Desde ya a disposición de ustedes para evacuar cualquier consulta al respecto.

Muchísimas gracias por confiar en azul-producciones