Danza Clásica en Azul Fest es una celebración de la elegancia, la precisión y la técnica que definen este arte atemporal. Este espacio honra la tradición del ballet clásico mientras destaca la capacidad de los intérpretes para transmitir emociones a través de movimientos estilizados y llenos de gracia.

Cada presentación de Danza Clásica debe reflejar la limpieza técnica, la alineación perfecta y la fluidez en las transiciones, características esenciales de este género. Se valoran especialmente la musicalidad, el uso del espacio, el control corporal, y la capacidad de los intérpretes para expresar sentimientos a través de la combinación de movimientos técnicos e interpretación artística.

El objetivo de Danza Clásica en Azul Fest es ofrecer un espacio donde la tradición y la creatividad puedan coexistir, permitiendo que los bailarines demuestren su excelencia técnica y su conexión con la música y el público. Este estilo celebra la disciplina y la dedicación, brindando un escenario para que la técnica y la emotividad brillen en perfecta armonía.

Se determina por «Edad Calendario», es decir que dependerá del año de nacimiento de los participantes y se calcula de la siguiente forma:

Se tendrá una tolerancia de 10 segundos.

En el caso de no ser cumplido con el tiempo reglamentario

se podrá llevar a la descalificación del grupo.

Por favor colabore, controle bien su tiempo.

En todos los casos el cronometraje de la rutina comenzará

con el 1° movimiento coreográfico o nota musical y finalizará de la misma forma.

La técnica en Danza Clásica es el pilar fundamental que define la calidad de ejecución, precisión y prolijidad de cada movimiento. Se evaluará la correcta aplicación de los principios técnicos del ballet, asegurando alineación, control y fluidez en la ejecución.

1.1 Ejecución de movimientos (10 puntos)

Evalúa la calidad técnica en la ejecución de cada paso, asegurando que los movimientos sean precisos, limpios y alineados con los principios de la danza clásica.

Se observará el correcto uso del en dehors (rotación externa de las piernas), la alineación corporal y el control en cada movimiento.

La ejecución debe reflejar elegancia, fluidez y estabilidad, evitando tensiones innecesarias o movimientos forzados.

En el caso de ballet de repertorio, se deberá respetar la estructura original de los pasos con las adaptaciones necesarias según el nivel del participante.

Se evaluará la correcta articulación de los pies, el uso del peso corporal y la calidad en las posiciones básicas y avanzadas.

Para solistas: Se valorará la capacidad del bailarín para ejecutar cada paso con precisión técnica y proyección escénica, sin perder la armonía del movimiento.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la uniformidad en la ejecución y la sincronización en la realización de los movimientos, asegurando una imagen visual homogénea.

1.2 Transiciones (10 puntos)

Evalúa la fluidez y naturalidad de las conexiones entre movimientos, asegurando que las transiciones sean elegantes y bien estructuradas.

En Danza Clásica, las transiciones entre posiciones y pasos deben ser suaves, controladas y sin cortes abruptos.

Se valorará la correcta utilización de los temps liés, pas de bourrée y desplazamientos en arabesques para mantener una continuidad armónica en la coreografía.

En ballet de repertorio, las transiciones deben respetar la musicalidad y estructura de la pieza, asegurando que cada movimiento fluya dentro del tiempo musical.

Se penalizarán cortes abruptos, pausas innecesarias o desconexiones entre movimientos que afecten la fluidez del número.

Para solistas: Se analizará cómo cada transición mantiene la elegancia y continuidad de la interpretación sin afectar la expresividad.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evaluará la sincronización en los enlaces entre los movimientos grupales, asegurando una ejecución coordinada y sin interrupciones.

1.3 Control corporal (10 puntos)

Evalúa la alineación, estabilidad y dominio del cuerpo en la ejecución del ballet, asegurando posturas correctas y equilibrio en cada movimiento.

Se espera un uso consciente del centro del cuerpo (core), fundamental para la estabilidad en balances, giros y saltos.

La postura debe reflejar elongación de la columna, alineación de los brazos y control en la proyección de los movimientos.

Se valorará el trabajo de piernas y pies, asegurando correctas posiciones, extensiones y articulación del empeine en relevés y saltos.

Se penalizarán desequilibrios evidentes, posturas incorrectas o falta de control en la ejecución de los movimientos.

Para solistas: Se medirá la capacidad de mantener el control en cada ejecución, asegurando una imagen firme y elegante.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la uniformidad en la postura y el equilibrio grupal, garantizando una ejecución homogénea y estilizada.

Normas Específicas

Se deberá respetar el uso del en dehors y la correcta ejecución de los pasos básicos del ballet.

Las coreografías de ballet de repertorio deben mantener la estructura original de la variación, con adaptaciones técnicas permitidas según el nivel del participante.

Los pasos de la coreografía deben estar adecuados a la edad y nivel del grupo o solista, asegurando un desarrollo técnico progresivo.

En ballet de repertorio, el tiempo musical estará supeditado a la duración de la música, evitando modificaciones que alteren la estructura original de la pieza.

La coreografía en Danza Clásica es la combinación de técnica, musicalidad y expresión artística. Se evaluará la estructura coreográfica, la fluidez de los movimientos y la capacidad de los bailarines para interpretar la pieza con elegancia y precisión.

2.1 Creatividad y Originalidad (10 puntos)

Evalúa la capacidad de innovar dentro de los parámetros de la danza clásica, asegurando que la composición coreográfica sea armoniosa y bien estructurada.

En clásico libre o neoclásico, se valorará la creatividad en la construcción coreográfica, respetando los principios del ballet pero incorporando elementos que aporten dinamismo y expresión.

En el caso de ballet de repertorio, la coreografía debe ajustarse a la versión original, permitiendo adaptaciones técnicas de acuerdo con el nivel del participante.

Se premiará el uso de secuencias de movimientos que generen fluidez y belleza visual, evitando estructuras monótonas o sin intención coreográfica.

Se valorará la correcta distribución de los bailarines en escena, asegurando que la composición coreográfica tenga un desarrollo escénico bien definido.

Para solistas: Se medirá la capacidad del bailarín para interpretar la pieza con originalidad sin perder la elegancia del estilo clásico.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la composición grupal, asegurando una coreografía armónica y bien estructurada.

2.2 Complejidad Técnica (10 puntos)

Analiza el nivel de dificultad de la coreografía en relación con la correcta ejecución de los pasos del ballet clásico.

Se espera que la coreografía contenga una variedad de pasos técnicos adecuados al nivel del intérprete, incluyendo giros, saltos, equilibrios y transiciones fluidas.

En ballet de repertorio, se evaluará la fidelidad de la variación al original, permitiendo adaptaciones en la dificultad según el nivel del participante.

Se valorará el uso adecuado de líneas, extensiones, trabajo de puntas y equilibrios, asegurando que cada elemento se ejecute con precisión.

En coreografías grupales, la complejidad técnica también radica en la sincronización y en la capacidad de realizar desplazamientos precisos sin afectar la estructura coreográfica.

Para solistas: Se evaluará la capacidad de realizar secuencias técnicamente exigentes con elegancia y seguridad.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la correcta ejecución de secuencias complejas de manera sincronizada y con cohesión visual.

2.3 Uso del Espacio (10 puntos)

Evalúa la distribución y aprovechamiento del espacio escénico dentro de la coreografía, asegurando desplazamientos equilibrados y estratégicos.

Se espera que los bailarines utilicen todo el escenario de manera armónica, evitando limitaciones espaciales innecesarias.

En coreografías grupales, la formación y distribución de los bailarines debe ser clara y bien estructurada, asegurando un equilibrio escénico.

Se valorará la fluidez en los cambios de posición, evitando desplazamientos bruscos o falta de movilidad en la ejecución.

En variaciones de ballet de repertorio, el uso del espacio debe mantener la estructura original de la pieza, sin modificaciones que alteren la intención del coreógrafo original.

Para solistas: Se analizará cómo el bailarín explora el espacio de manera estética y equilibrada.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evaluará la correcta utilización del espacio escénico en conjunto, asegurando que la distribución de los intérpretes sea armónica y visualmente efectiva.

Normas Específicas

En coreografías de ballet de repertorio, se debe respetar la estructura original de la pieza, permitiendo adaptaciones técnicas según el nivel del participante.

En clásico libre y neoclásico, se valorará la originalidad coreográfica, siempre manteniendo los principios del ballet.

Los cambios de formación y transiciones deben ser limpios y fluidos, evitando interrupciones en la composición visual.

Los tiempos musicales en ballet de repertorio estarán supeditados a la duración de la música, asegurando que la interpretación mantenga la intención original del compositor.

La musicalidad en Danza Clásica es un elemento esencial que permite la correcta interpretación y ejecución de cada movimiento dentro del marco rítmico y dinámico de la música. Se evaluará la capacidad del bailarín o grupo para adaptarse al tempo, los acentos y las frases musicales con precisión y sensibilidad artística.

3.1 Interpretación Musical (10 puntos)

Evalúa la conexión entre la música y los movimientos, asegurando que cada ejecución respete la estructura rítmica y la intención melódica de la pieza.

En ballet de repertorio, se deberá respetar la estructura musical de la variación, manteniendo la sincronización con la pista y la intención original de la coreografía.

En ballet libre o neoclásico, se valorará la capacidad de jugar con la música, explorando diferentes calidades de movimiento y texturas.

Se espera que el bailarín demuestre conciencia musical, manteniendo el control en los tiempos de ejecución, las pausas y las dinámicas sonoras de la pieza.

La musicalidad también debe reflejarse en la fluidez de las transiciones y en la intención expresiva de cada movimiento.

En grupos, la interpretación musical debe ser homogénea, asegurando que todos los bailarines mantengan la misma lectura rítmica.

Para solistas: Se evaluará la precisión en la adaptación al tempo de la música, asegurando una ejecución sincronizada y expresiva.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la capacidad del conjunto para mantener una coherencia musical en la ejecución grupal, asegurando que todos los bailarines interpreten la pieza con la misma intención rítmica.

Elementos Clave de la Musicalidad en Danza Clásica

Precisión rítmica: Cada movimiento debe estar alineado con los tiempos y acentos musicales.

Uso de pausas y acentos: Se valorará la sensibilidad en la interpretación de los matices sonoros y los momentos de respiración dentro de la danza.

Fluidez y control: Los cambios de energía y velocidad deben estar en armonía con la dinámica de la música.

Coherencia en la ejecución grupal: En coreografías grupales, la musicalidad debe ser uniforme y sincronizada.

Normas Específicas

En ballet de repertorio, la coreografía debe respetar la estructura musical original, sin alteraciones que afecten la intención de la pieza.

Los tiempos musicales estarán supeditados a la duración de la música, asegurando una interpretación fiel a la obra.

Se penalizarán desajustes rítmicos, ejecuciones fuera de tempo o desconexiones evidentes entre la música y los movimientos.

En coreografías grupales, se espera una musicalidad unificada, evitando desfases entre los intérpretes.

Este apartado evalúa la calidad técnica y expresiva del bailarín, tanto de manera individual como dentro de un grupo, asegurando precisión, sincronización y cohesión visual en la ejecución de la coreografía.

4.1 Ejecución Individual (Solistas) (15 puntos)

Evalúa la precisión técnica, el control corporal y la expresividad del bailarín a lo largo de toda la presentación.

Se espera una ejecución impecable con líneas elegantes, control postural y fluidez en la ejecución de los pasos.

El bailarín debe mantener una proyección escénica fuerte, con seguridad y confianza en cada movimiento.

Se analizará la calidad de la postura, la alineación de los brazos y piernas, la precisión de los giros y la estabilidad en los balances.

En repertorio, se evaluará la fidelidad a la interpretación original, con adaptaciones técnicas según el nivel del participante.

Se penalizarán movimientos inestables, falta de control en los giros, desequilibrios evidentes o ejecuciones con falta de elegancia.

Para solistas: Se medirá la capacidad del intérprete para ejecutar la pieza con técnica refinada y proyección escénica equilibrada.

4.2 Sincronización y Cohesión (Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (10 puntos)

Evalúa la coordinación grupal y la uniformidad en la ejecución de los movimientos, asegurando que el conjunto se vea cohesionado y equilibrado visualmente.

Se espera que el grupo actúe como una unidad sincronizada, con transiciones limpias y formaciones precisas.

Los bailarines deben mantener la misma calidad técnica, asegurando que las líneas y las posturas sean homogéneas.

Se valorará la precisión en los desplazamientos, asegurando que cada intérprete mantenga su espacio sin afectar la estructura de la coreografía.

En coreografías de ballet de repertorio, la sincronización con la música y entre los bailarines es clave para mantener la armonía escénica.

Se penalizarán diferencias notorias en la técnica, desajustes de tiempos o ejecuciones individuales que rompan la cohesión del grupo.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la precisión en la sincronización y la capacidad de mantener una interpretación uniforme y visualmente armoniosa.

4.3 Uniformidad (Solo para Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (5 puntos)

Evalúa la homogeneidad en la ejecución de los movimientos, asegurando que todos los intérpretes mantengan la misma estética y calidad técnica.

Se medirá la uniformidad en las líneas, la postura y la ejecución de cada paso, garantizando que el grupo se vea coordinado en todo momento.

En secuencias de conjunto, la intensidad del movimiento y la expresividad deben mantenerse equilibradas entre todos los integrantes.

Se espera que las posiciones y los desplazamientos sean precisos y visualmente atractivos, evitando diferencias que afecten la estructura escénica.

Se penalizarán variaciones de calidad entre los bailarines, así como ejecuciones desiguales que rompan la uniformidad visual del conjunto.

Elementos Clave de la Ejecución en Danza Clásica

Definición y limpieza en los movimientos: Cada paso debe ejecutarse con precisión y alineación correcta.

Control y estabilidad: La postura y el equilibrio deben ser impecables en cada ejecución.

Sincronización grupal: La unidad y la cohesión son fundamentales en coreografías grupales.

Fluidez y proyección: La interpretación debe mantener la elegancia y la expresividad de la danza clásica.

Normas Específicas

Cada bailarín debe mantener una ejecución firme y con proyección escénica, evitando variaciones de energía dentro del grupo.

La sincronización debe ser precisa en todo momento, reflejando una cohesión visual fuerte en formaciones y transiciones.

Se penalizarán diferencias de calidad en la ejecución, asegurando que todos los bailarines mantengan un nivel homogéneo en la presentación.

En ballet de repertorio, los movimientos deben respetar la estructura original de la pieza, garantizando fidelidad en la ejecución.

El impacto visual en Danza Clásica es fundamental para reforzar la estética escénica y la cohesión de la propuesta artística. Se evaluará la presentación general de la puesta en escena, incluyendo vestuario, caracterización y armonía visual, asegurando que cada elemento complemente la interpretación y la técnica del bailarín o del grupo.

5.1 Vestuario y Caracterización (10 puntos)

Evalúa la coherencia del vestuario con la propuesta coreográfica y la estética del ballet, asegurando que realce la presentación sin afectar la ejecución técnica.

En ballet de repertorio, el vestuario debe mantener fidelidad a la obra original, permitiendo adaptaciones en función de la edad y el nivel de los participantes.

En ballet libre o neoclásico, se valorará la creatividad en la elección del vestuario, siempre que mantenga una estética refinada y alineada con los principios del ballet.

Se espera que los trajes sean adecuados para la movilidad y permitan una ejecución técnica sin limitaciones, asegurando que no interfieran con los movimientos.

En coreografías grupales, el vestuario debe mantener cohesión visual sin restar individualidad a cada intérprete.

Se penalizarán vestuarios inapropiados, que dificulten la movilidad o que no guarden relación con la estética de la pieza presentada.

Para solistas: Se evaluará que la vestimenta refuerce la expresión escénica sin comprometer la fluidez de los movimientos.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se analizará la uniformidad y la armonía del vestuario, asegurando que todos los integrantes mantengan una imagen equilibrada y alineada con la propuesta artística.

Elementos Clave del Impacto Visual en Danza Clásica

Coherencia con la historia y los personajes: La estética debe estar alineada con la obra y su concepto artístico.

Funcionalidad del vestuario: Debe permitir libertad de movimiento sin interferir en la ejecución técnica.

Elegancia y precisión visual: Se valorará la pulcritud en la presentación, incluyendo maquillaje, peinado y vestuario.

Uniformidad grupal con identidad artística: En coreografías grupales, la imagen debe ser cohesiva y armoniosa.

Normas Específicas

El vestuario debe reforzar la puesta en escena sin restar protagonismo a la interpretación.

En ballet de repertorio, se debe respetar la estética original de la obra, permitiendo adaptaciones en función del nivel del participante.

Los accesorios y elementos de caracterización deben estar bien integrados y no interferir con la movilidad de los bailarines.

Se penalizarán vestuarios que generen distracciones, que no sean adecuados para la obra o que dificulten la ejecución técnica.

La conexión emocional es un elemento esencial en la Danza Clásica, ya que permite transmitir intensidad, sensibilidad y narrativa escénica a través del movimiento. Más allá de la técnica, este apartado evalúa la capacidad del intérprete para proyectar su energía y conectar con el público, reforzando la expresividad de la coreografía.

6.1 Proyección Escénica (5 puntos)

Evalúa la actitud, la expresión y la presencia del bailarín en escena, asegurando que la interpretación refleje el carácter de la pieza.

En ballet de repertorio, la interpretación debe ser fiel a la obra original, respetando el carácter y la emoción de la pieza con las adaptaciones necesarias según el nivel del intérprete.

En clásico libre y neoclásico, se valorará la capacidad del bailarín para transmitir emociones a través del cuerpo y el movimiento, sin perder la elegancia y el control técnico.

La proyección escénica debe mantenerse constante a lo largo de toda la presentación, evitando momentos de desconexión o falta de intención en la ejecución.

La mirada, la respiración y la expresividad facial deben integrarse de manera natural con la coreografía, evitando gestos artificiales o sobreactuaciones.

Se penalizará la falta de proyección escénica, las expresiones forzadas o la ausencia de conexión emocional con la obra.

Para solistas: Se medirá la capacidad del bailarín para transmitir emoción y presencia escénica, manteniendo una interpretación genuina y expresiva.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evaluará que todos los integrantes proyecten una energía homogénea y coherente, asegurando que la conexión emocional sea equilibrada dentro del conjunto.

Elementos Clave de la Conexión Emocional en Danza Clásica

Autenticidad en la interpretación: La emoción debe ser genuina y alineada con la historia de la pieza.

Presencia escénica fuerte: La actitud y la energía deben mantenerse constantes durante toda la rutina.

Interacción con el público y los compañeros: Se valorará la capacidad de generar un impacto visual y emocional.

Cohesión grupal: En coreografías grupales, la expresividad debe ser equilibrada, asegurando una interpretación uniforme.

Normas Específicas

La interpretación debe estar alineada con el carácter de la obra, evitando gestos artificiales o exageraciones.

En ballet de repertorio, la conexión emocional debe reflejar la esencia de la variación original, manteniendo la elegancia y la expresión propias del ballet clásico.

La proyección escénica debe mantenerse constante, evitando cambios bruscos de energía o desconexión con la música y la coreografía.

En coreografías grupales, la expresividad debe ser equilibrada y uniforme, asegurando que todos los bailarines mantengan la misma intensidad interpretativa.

Para garantizar la equidad y el cumplimiento de los estándares de competencia, se aplicarán deducciones en caso de que los participantes no cumplan con ciertos aspectos técnicos o estructurales de la presentación.

Las deducciones se restarán del puntaje total obtenido en la evaluación y aplicarán tanto a solistas, dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos.

7.1 Tiempo Excedido (Restará 3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido.)

Cada categoría tiene un límite de tiempo establecido para su presentación.

Si el tiempo total de la coreografía excede el máximo permitido, se descontarán 3 puntos por cada 10 segundos adicionales.

La duración debe ajustarse estrictamente a la reglamentación del torneo para evitar penalizaciones.

Sugerencia: Es recomendable ensayar con cronómetro para asegurarse de que la coreografía no supere el límite de tiempo.

7.2 Edición Musical Abrupta (Restará 5 puntos si la música termina de forma brusca.)

La edición musical debe ser limpia y fluida, asegurando que la pista finalice de manera natural o con un cierre adecuado.

Si la música se corta de manera repentina o sin un fade out o cierre progresivo, se aplicará una deducción de 5 puntos.

La edición debe estar alineada con el concepto coreográfico, evitando cortes que rompan la experiencia de la presentación.

Sugerencia: Se recomienda revisar la edición de la pista antes del evento y asegurarse de que tenga un cierre limpio.

Elementos Clave para Evitar Deducciones

Verificar la duración de la coreografía: Asegurarse de que la música no sobrepase el tiempo límite.

Editar la música correctamente: Evitar cortes abruptos o terminaciones inesperadas.

Ensayar con la pista final: Comprobar que la edición musical se ajuste bien a la coreografía antes de la competencia.

Nota Importante:

Restricción de Movimientos Peligrosos:

Está prohibido el uso de movimientos y latigazos cervicales en las categorías Baby e Infantil.

En las demás categorías, se recomienda prestar especial atención a la elección de los movimientos, priorizando siempre la seguridad de los bailarines.

Utilización de Elementos y Accesorios en Escena:

La elección de la música debe estar en relación con los elementos utilizados y con la historia que se desea contar o desarrollar en la coreografía.

Se recomienda crear situaciones y construir narrativas que puedan ser adaptadas al grupo, teniendo en cuenta la edad y el perfil de los bailarines.

Se desaconseja el uso de historias de adultos en coreografías infantiles.

Normas sobre el Uso de Elementos Escenográficos:

No habrá restricción en el uso de elementos, siempre que no sean acuosos ni permanezcan en el escenario tras la presentación, pudiendo entorpecer el número siguiente.

Está prohibido el uso de fuego, bengalas o materiales inflamables, ya que representan un riesgo para la seguridad de los participantes y el público.

Si se utilizan accesorios, el grupo deberá retirarlos en el apagón para garantizar la continuidad del evento.

Consideración de Destrezas:

No se evaluarán destrezas provenientes de otras disciplinas o estilos de danza ajenos a la competencia.

El proceso de evaluación se basa en una planilla detallada que abarca diversos aspectos de la presentación. A continuación, se detallan los ítems evaluados y su correspondiente puntaje:

Técnica (30 puntos):

Se evalúa la precisión, el control y la calidad técnica en la ejecución de movimientos, incluyendo transiciones fluidas y control corporal.

Coreografía (30 puntos):

Creatividad y originalidad.

Complejidad técnica.

Uso eficiente del espacio escénico.

Musicalidad (10 puntos):

Interpretación precisa y conexión con los elementos rítmicos y dinámicos de la música.

Ejecución (15 puntos):

Solistas (15 puntos):

Se valora el dominio escénico, la proyección individual y la capacidad de mantener precisión y expresividad durante toda la presentación.

Duos, Trios, Equipos, Grupos y Mega Grupos (15 puntos):

Incluye sincronización, cohesión y uniformidad entre los integrantes, asegurando una ejecución colectiva homogénea.

Impacto Visual (10 puntos):

Vestuario y caracterización, alineados con el estilo y la propuesta artística de la coreografía.

Conexión Emocional (5 puntos):

Capacidad de transmitir emociones, proyección escénica y conexión con el público.

Total: 100 puntos

Deducciones:

Tiempo excedido: -3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido (después de los 10 segundos de tolerancia).

Edición musical abrupta: -5 puntos si la música termina de forma brusca.

El profesor es responsable del ingreso y egreso de su alumnado a escena, de revisar la forma de salida e ingreso.

Es responsable civil por cada uno de sus alumnos y por él mismo, y deberá firmar convenio de participación antes del evento como asimismo presentar la documentación, fotocopias de las categorías menores de 18 años con la autorización de los Señores Padres.

La organización obliga al profesor a contratar seguro de responsabilidad por su equipo y el mismo, alumnado y asistentes, o acompañantes, por lesiones o cualquier otro daño que puedan sufrir los participantes a su cargo. Caso contrario se responsabiliza por los inconvenientes originados por tal motivo.

Debe el profesor haber leído y comprendido este reglamento, dirijo solo a los docentes que manejen y empleen técnica de danza con su alumnado, comprendiendo que puede ser re categorizado si su presentación tiene o no la técnica correspondida, y no puede discutir jamás la decisión del jurado.

IMPORTANTE: Los menores de 2 (dos) años no abonan entrada, pero tampoco OCUPAN ASIENTO, caso contrario deberán abonar la misma.

Queda prohibido ocupar los pasillos, de pie, sentados, sea el motivo que fuera.

Cada persona deberá permanecer ubicada en su asiento durante el desarrollo de todo el espectáculo.

Es obligación del docente transmitir estas normas a su público participante.

En el momento de las premiaciones subirá solamente el docente representando a su escuela.

En camarines estará permitido sólo el ingreso del docente y un adulto debidamente identificado por la productora. En el caso que fuera un grupo de más de 30 personas mayoritariamente infantiles, se permitirá el ingreso de un adulto más.

Desde ya a disposición de ustedes para evacuar cualquier consulta al respecto.

Muchísimas gracias por confiar en azul-producciones