Danza Contemporánea en Azul Fest es un espacio que celebra la libertad de movimiento, la innovación y la profundidad emocional que caracterizan a este estilo artístico. Este género ofrece a los intérpretes la posibilidad de explorar y expresar ideas, emociones y narrativas a través de una combinación única de técnica, creatividad y conexión escénica.

Cada coreografía de Danza Contemporánea debe resaltar la fluidez en los movimientos, el uso expresivo del espacio y la integración de la técnica con la narrativa. Se valoran la improvisación, las transiciones orgánicas y la conexión auténtica entre los intérpretes y el público. Este estilo permite a los artistas romper límites, fusionar disciplinas y explorar nuevos lenguajes corporales.

El objetivo de Danza Contemporánea en Azul Fest es brindar un espacio donde la creatividad y la interpretación sean protagonistas, permitiendo que los intérpretes lleven al escenario su visión personal y única. Este estilo celebra la expresión individual y grupal, destacando la capacidad de la danza para comunicar y emocionar en formas profundas y originales.

Se determina por «Edad Calendario», es decir que dependerá del año de nacimiento de los participantes y se calcula de la siguiente forma:

Se tendrá una tolerancia de 10 segundos.
En el caso de no ser cumplido con el tiempo reglamentario
se podrá llevar a la descalificación del grupo.
Por favor colabore, controle bien su tiempo.
En todos los casos el cronometraje de la rutina comenzará
con el 1° movimiento coreográfico o nota musical y finalizará de la misma forma.

La técnica en Danza Contemporánea es un elemento esencial que permite la expresividad del movimiento con base en principios como la fluidez, el control corporal y la integración con la gravedad.

1.1 Ejecución de movimientos (10 puntos)

Evalúa la precisión, control y calidad técnica de los movimientos ejecutados. En Danza Contemporánea, la ejecución debe reflejar claridad en la intención del movimiento, evitando tensiones innecesarias y favoreciendo la fluidez del desplazamiento.

Se espera que los movimientos sean articulados y que reflejen la intención coreográfica sin rigidez.

Se valoran los cambios de dinámica y la capacidad de transitar entre diferentes estados corporales.

Para solistas: Se mide la capacidad de ejecutar movimientos complejos con autonomía y control, destacando la expresividad individual.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Además de la ejecución individual, se evalúa la coherencia técnica grupal, asegurando que los integrantes compartan una línea estética unificada.

1.2 Transiciones (10 puntos)

Se analiza la continuidad y fluidez entre movimientos, asegurando que las transiciones sean orgánicas y naturales.

En Danza Contemporánea, las transiciones suelen incluir cambios de peso, desplazamientos y movimientos de suelo que deben realizarse con fluidez y conexión con la energía corporal.

Se penalizan transiciones abruptas que afecten la coherencia del movimiento.

Para solistas: Cada transición debe integrarse armónicamente dentro de la propuesta coreográfica.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se espera que las transiciones grupales sean sincronizadas y permitan una conexión escénica fluida.

1.3 Control corporal (10 puntos)

Evalúa el dominio corporal en alineación, postura y estabilidad durante la ejecución.

La Danza Contemporánea requiere un uso consciente del centro del cuerpo para gestionar cambios de nivel, giros y caídas controladas.

Se valoran la respiración integrada al movimiento y la interacción con la gravedad para generar fluidez.

Para solistas: Se mide la capacidad de mantener el equilibrio y control en cada dinámica.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evalúa la uniformidad en el control corporal entre los integrantes.

En Danza Contemporánea, la coreografía es una manifestación artística que combina técnica, originalidad y expresión. Este bloque evalúa la integración de estos elementos en una propuesta cohesiva y fluida.

2.1 Creatividad y Originalidad (10 puntos)

Evalúa la capacidad de generar combinaciones únicas de movimiento, explorando dinámicas y texturas propias del estilo contemporáneo.

Se valora el uso innovador del cuerpo y del espacio, incorporando cualidades como la suspensión, el colapso, la resistencia y la fluidez.

La originalidad también abarca la integración de elementos escénicos o accesorios, siempre que complementen la propuesta sin interferir en la ejecución técnica.

Se apreciarán coreografías que exploren movimientos orgánicos y no tradicionales, evitando estructuras coreográficas predecibles.

Para solistas: La creatividad se mide en la capacidad de generar contrastes dinámicos, el uso de distintos niveles espaciales y la originalidad en las combinaciones de movimiento.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se valora la interacción entre los integrantes, la composición de imágenes visuales impactantes y la construcción de secuencias grupales innovadoras.

2.2 Complejidad Técnica (10 puntos)

Analiza el nivel de dificultad de la coreografía, incluyendo saltos, giros, caídas, desplazamientos y combinaciones de peso.

Se espera una integración fluida de elementos técnicos avanzados que desafíen la resistencia, el control corporal y la adaptabilidad del bailarín.

La complejidad no solo radica en la ejecución de movimientos, sino en la transición natural entre ellos y la relación con la musicalidad.

En grupos, la dificultad aumenta con cambios de formación dinámicos, movimientos en canon y estructuras espaciales de alta precisión.

Para solistas: Se espera que el nivel técnico desafíe al bailarín, manteniendo control y ejecución pulida.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se mide cómo la complejidad individual se fusiona en una ejecución grupal sincronizada y coordinada.

2.3 Uso del Espacio (10 puntos)

Evalúa el aprovechamiento del espacio escénico, asegurando desplazamientos equilibrados y expresivos.

En Danza Contemporánea, el uso del espacio es esencial para generar dinámicas de movimiento envolventes, evitando áreas muertas dentro de la puesta en escena.

Se valora la exploración del espacio tridimensionalmente, incluyendo niveles altos, medios y bajos.

Se penaliza el uso limitado del espacio o la falta de dinamismo en los desplazamientos.

Para solistas: El uso del espacio debe ser variado y expresivo, reflejando conciencia espacial y control de las direcciones.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se espera que las transiciones grupales utilicen el espacio de manera efectiva, generando efectos visuales interesantes y manteniendo una organización escénica clara.

La musicalidad en Danza Contemporánea es clave para resaltar la conexión entre los movimientos y los elementos rítmicos de la música. Este bloque evalúa cómo los bailarines interpretan la dinámica musical, adaptándose a los cambios de tempo, acentos y texturas sonoras presentes en la pieza elegida.

3.1 Interpretación Musical (10 puntos)

Evalúa la capacidad del bailarín o grupo para sincronizar los movimientos con los matices de la música, reflejando tanto los ritmos principales como las transiciones melódicas.

En Danza Contemporánea, la relación con la música no se limita a seguir un compás fijo, sino que también puede jugar con silencios, cambios de intensidad y frases musicales extendidas.

Se espera una interpretación consciente de los acentos musicales, utilizando variaciones de movimiento (rápidos, suaves, explosivos o controlados) para enriquecer la propuesta coreográfica.

La musicalidad también se refleja en la capacidad de proyectar las emociones que la música transmite, alineando la intención artística con la ejecución técnica.

Para solistas: Se evalúa cómo el bailarín marca los cambios rítmicos y dinámicos de manera independiente, mostrando una conexión profunda con la música.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se mide la capacidad colectiva de interpretar la música de manera sincronizada, evitando desfases o diferencias de intensidad entre los integrantes.

Elementos Clave de la Musicalidad en Danza Contemporanea

Conexión con los cambios dinámicos: Los bailarines deben adaptarse a variaciones en el tempo, intensidad y matices sonoros.

Uso de silencios y pausas: Se valora la incorporación de momentos de quietud para generar contrastes expresivos.

Ritmos internos y respiración: La relación entre la respiración y la música influye en la fluidez y naturalidad del movimiento.

Coherencia artística: La ejecución debe estar alineada con la naturaleza de la pieza musical, reflejando su estructura y narrativa.

Este bloque evalúa la calidad de ejecución del bailarín o del grupo, asegurando precisión, uniformidad y coherencia visual dentro de la coreografía.

4.1 Ejecución Individual (Solistas) (15 puntos)

Evalúa la precisión, control y proyección del bailarín a lo largo de toda su presentación.

El solista debe demostrar dominio absoluto del movimiento, evitando errores de sincronización o desajustes con la música.

La ejecución debe transmitir fuerza, seguridad y fluidez, utilizando el cuerpo como medio expresivo sin depender de otros bailarines.

En Danza Contemporánea, la conexión emocional y técnica debe mantenerse constante, alineándose con los cambios rítmicos de la música.

Se mide la capacidad de adaptación a cambios de ritmo y dinámica, asegurando que cada transición sea ejecutada con fluidez y sin pérdida de energía.

Para solistas: Se valora la resistencia, precisión y constancia en la ejecución de los movimientos, garantizando calidad de principio a fin.

4.2 Sincronización y Cohesión (Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (10 puntos)

Se analiza la coordinación entre los bailarines, asegurando que todos mantengan el mismo tiempo y ritmo sin desfases.

La Danza Contemporánea requiere que los grupos trabajen como una unidad sincronizada, donde cada intérprete complemente el movimiento colectivo.

Se espera que los integrantes ejecuten los movimientos con la misma intensidad y energía, evitando diferencias visuales dentro del equipo.

En los cambios de formación, las transiciones deben ser precisas y fluidas, asegurando que los bailarines se muevan en armonía sin romper la estructura coreográfica.

La sincronización se evalúa en función de la claridad del movimiento y el ajuste rítmico de cada bailarín respecto a los demás.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se valora la uniformidad en el ritmo y las transiciones, proyectando cohesión durante toda la rutina.

4.3 Uniformidad (Solo para Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (5 puntos)

Evalúa la homogeneidad en la ejecución de los movimientos, asegurando que todos los intérpretes mantengan la misma estética y energía.

Se mide la consistencia en la postura, amplitud de los movimientos y nivel de intensidad, evitando diferencias entre los miembros del equipo.

Un grupo cohesionado debe moverse como una unidad fluida, donde cada bailarín refuerce la estructura visual sin destacar individualmente (a menos que sea intencional dentro de la coreografía).

Se valoran las formaciones limpias, las transiciones sincronizadas y la unidad en la interpretación de los movimientos.

Elementos Clave de la Ejecución en Danza Contemporanea

Definición de los movimientos: Todos los pasos deben ejecutarse con claridad y potencia.

Conexión con la música: La ejecución debe responder directamente a los acentos rítmicos y a la intención artística.

Fluidez y control: El bailarín o grupo debe moverse con seguridad y naturalidad, sin forzar los movimientos.

Precisión y sincronización: Para grupos, es fundamental la exactitud en la ejecución conjunta.

El impacto visual en Danza Contemporánea complementa la propuesta artística, reforzando la narrativa y la identidad escénica de la coreografía. Este apartado evalúa el vestuario, la caracterización y la estética general de la presentación, asegurando coherencia con el concepto y estilo interpretado.

5.1 Vestuario y Caracterización (10 puntos)

Evalúa la coherencia estética del vestuario y los accesorios en relación con el concepto artístico de la coreografía.

El vestuario debe ser funcional, permitiendo movilidad y comodidad, sin interferir en la ejecución técnica.

En Danza Contemporánea, se valora la creatividad en la elección de los elementos visuales, buscando complementar la atmósfera de la pieza.

El uso de maquillaje y peinados debe integrarse de manera sutil, evitando que opaque la interpretación o la técnica.

Se penalizarán vestuarios que restrinjan el movimiento, sean inseguros o no guarden relación con la propuesta artística.

Para solistas: Se espera que el vestuario refuerce la identidad y la expresión del bailarín, manteniendo armonía con la música y el concepto artístico.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evalúa la uniformidad o coordinación del vestuario entre los integrantes, asegurando que refuercen la estética grupal y la cohesión visual.

Elementos Clave del Impacto Visual en Danza Contemporanea

Coherencia conceptual: El vestuario y los elementos visuales deben estar alineados con la propuesta artística.

Funcionalidad: Los accesorios y vestuarios deben ser prácticos y no interferir con los movimientos.

Estilo y creatividad: Se valora la originalidad en la presentación visual sin perder la esencia del estilo.

Uniformidad grupal: En coreografías grupales, los elementos visuales deben generar una sensación de unidad.

La conexión emocional es uno de los pilares de la Danza Contemporánea, ya que permite a los bailarines transmitir sentimientos y emociones al público. Más allá de la técnica, este bloque evalúa la capacidad de los intérpretes para proyectar su energía, conectar con el público y reforzar la narrativa artística de la coreografía.

6.1 Proyección Escénica (5 puntos)

Evalúa la presencia y actitud del bailarín o del grupo en escena, asegurando que cada movimiento esté cargado de intención y expresividad.

La proyección debe ser natural y convincente, reflejando el carácter y la emoción de la pieza musical seleccionada.

En Danza Contemporánea, se espera que los bailarines mantengan una energía constante y que esta sea congruente con los cambios dinámicos de la coreografía.

Se valora la autenticidad emocional, evitando interpretaciones forzadas o sobreactuadas.

La conexión con el público es un factor clave, ya sea a través de la mirada, la gestualidad o la intensidad de los movimientos.

Para solistas: Se mide cómo el bailarín logra llenar el escenario con su presencia y cómo su interpretación individual impacta al público.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evalúa que todos los integrantes proyecten la misma energía, evitando diferencias de intensidad que puedan romper la cohesión.

Elementos Clave en la Proyección Escénica de Danza Contemporanea

Autenticidad emocional: Los intérpretes deben reflejar emociones genuinas en sus movimientos.

Presencia escénica: La actitud y energía deben ser constantes y consistentes durante toda la rutina.

Interacción con el público: Se valora la capacidad de generar un impacto emocional directo en los espectadores.

Cohesión grupal: En grupos, la conexión emocional debe ser uniforme, proyectándose como un equipo.

Para garantizar la equidad y el cumplimiento de los estándares de competencia, se aplicarán deducciones en caso de que los participantes no cumplan con ciertos aspectos técnicos o estructurales de la presentación.

Las deducciones se restarán del puntaje total obtenido en la evaluación y aplicarán tanto a solistas, dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos.

7.1 Tiempo Excedido (Restará 3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido.)

Cada categoría tiene un límite de tiempo establecido para su presentación.

Si el tiempo total de la coreografía excede el máximo permitido, se descontarán 3 puntos por cada 10 segundos adicionales.

La duración debe ajustarse estrictamente a la reglamentación del torneo para evitar penalizaciones.

Sugerencia: Es recomendable ensayar con cronómetro para asegurarse de que la coreografía no supere el límite de tiempo.

7.2 Edición Musical Abrupta (Restará 5 puntos si la música termina de forma brusca.)

La edición musical debe ser limpia y fluida, asegurando que la pista finalice de manera natural o con un cierre adecuado.

Si la música se corta de manera repentina o sin un fade out o cierre progresivo, se aplicará una deducción de 5 puntos.

La edición debe estar alineada con el concepto coreográfico, evitando cortes que rompan la experiencia de la presentación.

Sugerencia: Se recomienda revisar la edición de la pista antes del evento y asegurarse de que tenga un cierre limpio.

Elementos Clave para Evitar Deducciones

Verificar la duración de la coreografía: Asegurarse de que la música no sobrepase el tiempo límite.

Editar la música correctamente: Evitar cortes abruptos o terminaciones inesperadas.

Ensayar con la pista final: Comprobar que la edición musical se ajuste bien a la coreografía antes de la competencia.

Nota Importante:

Restricción de Movimientos Peligrosos:

Está prohibido el uso de movimientos y latigazos cervicales en las categorías Baby e Infantil.

En las demás categorías, se recomienda prestar especial atención a la elección de los movimientos, priorizando siempre la seguridad de los bailarines.

Utilización de Elementos y Accesorios en Escena:

La elección de la música debe estar en relación con los elementos utilizados y con la historia que se desea contar o desarrollar en la coreografía.

Se recomienda crear situaciones y construir narrativas que puedan ser adaptadas al grupo, teniendo en cuenta la edad y el perfil de los bailarines.

Se desaconseja el uso de historias de adultos en coreografías infantiles.

Normas sobre el Uso de Elementos Escenográficos:

No habrá restricción en el uso de elementos, siempre que no sean acuosos ni permanezcan en el escenario tras la presentación, pudiendo entorpecer el número siguiente.

Está prohibido el uso de fuego, bengalas o materiales inflamables, ya que representan un riesgo para la seguridad de los participantes y el público.

Si se utilizan accesorios, el grupo deberá retirarlos en el apagón para garantizar la continuidad del evento.

Consideración de Destrezas:

No se evaluarán destrezas provenientes de otras disciplinas o estilos de danza ajenos a la competencia.

El proceso de evaluación se basa en una planilla detallada que abarca diversos aspectos de la presentación. A continuación, se detallan los ítems evaluados y su correspondiente puntaje:

Técnica (30 puntos):

Se evalúa la precisión, el control y la calidad técnica en la ejecución de movimientos, incluyendo transiciones fluidas y control corporal.

Coreografía (30 puntos):

Creatividad y originalidad.

Complejidad técnica.

Uso eficiente del espacio escénico.

Musicalidad (10 puntos):

Interpretación precisa y conexión con los elementos rítmicos y dinámicos de la música.

Ejecución (15 puntos):

Solistas (15 puntos):

Se valora el dominio escénico, la proyección individual y la capacidad de mantener precisión y expresividad durante toda la presentación.

Duos, Trios, Equipos, Grupos y Mega Grupos (15 puntos):

Incluye sincronización, cohesión y uniformidad entre los integrantes, asegurando una ejecución colectiva homogénea.

Impacto Visual (10 puntos):

Vestuario y caracterización, alineados con el estilo y la propuesta artística de la coreografía.

Conexión Emocional (5 puntos):

Capacidad de transmitir emociones, proyección escénica y conexión con el público.

Total: 100 puntos

Deducciones:

Tiempo excedido: -3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido (después de los 10 segundos de tolerancia).

Edición musical abrupta: -5 puntos si la música termina de forma brusca.

El profesor es responsable del ingreso y egreso de su alumnado a escena, de revisar la forma de salida e ingreso.

Es responsable civil por cada uno de sus alumnos y por él mismo, y deberá firmar convenio de participación antes del evento como asimismo presentar la documentación, fotocopias de las categorías menores de 18 años con la autorización de los Señores Padres.

La organización obliga al profesor a contratar seguro de responsabilidad por su equipo y el mismo, alumnado y asistentes, o acompañantes, por lesiones o cualquier otro daño que puedan sufrir los participantes a su cargo. Caso contrario se responsabiliza por los inconvenientes originados por tal motivo.

Debe el profesor haber leído y comprendido este reglamento, dirijo solo a los docentes que manejen y empleen técnica de danza con su alumnado, comprendiendo que puede ser re categorizado si su presentación tiene o no la técnica correspondida, y no puede discutir jamás la decisión del jurado.

IMPORTANTE: Los menores de 2 (dos) años no abonan entrada, pero tampoco OCUPAN ASIENTO, caso contrario deberán abonar la misma.

Queda prohibido ocupar los pasillos, de pie, sentados, sea el motivo que fuera.

Cada persona deberá permanecer ubicada en su asiento durante el desarrollo de todo el espectáculo.

Es obligación del docente transmitir estas normas a su público participante.

En el momento de las premiaciones subirá solamente el docente representando a su escuela.

En camarines estará permitido sólo el ingreso del docente y un adulto debidamente identificado por la productora. En el caso que fuera un grupo de más de 30 personas mayoritariamente infantiles, se permitirá el ingreso de un adulto más.

Desde ya a disposición de ustedes para evacuar cualquier consulta al respecto.

Muchísimas gracias por confiar en azul-producciones