Free Dance en Azul Fest es un espacio que celebra la libertad creativa y la expresión artística sin límites. Este estilo permite a los intérpretes explorar movimientos únicos y personales, fusionando géneros y estilos para crear coreografías cargadas de emoción y significado.

Cada presentación de Free Dance debe reflejar la autenticidad y la conexión individual con la música, priorizando la narrativa y la interpretación sobre la técnica pura. Se valora la improvisación, la originalidad en las transiciones y la capacidad de transmitir emociones profundas, utilizando el cuerpo como medio principal de expresión.

El objetivo de Free Dance en Azul Fest es brindar un espacio donde la creatividad fluya sin restricciones, permitiendo a los intérpretes conectar con su esencia artística y transmitirla al público. Este estilo celebra la individualidad, la versatilidad y la capacidad de romper barreras tradicionales para crear una experiencia única e inolvidable.

Se determina por «Edad Calendario», es decir que dependerá del año de nacimiento de los participantes y se calcula de la siguiente forma:

Se tendrá una tolerancia de 10 segundos.

En el caso de no ser cumplido con el tiempo reglamentario

se podrá llevar a la descalificación del grupo.

Por favor colabore, controle bien su tiempo.

En todos los casos el cronometraje de la rutina comenzará

con el 1° movimiento coreográfico o nota musical y finalizará de la misma forma.

En Free Dance, la técnica es un pilar esencial que permite combinar elementos de diferentes estilos con precisión y claridad. La correcta ejecución de cada técnica dentro de la fusión garantiza que la propuesta coreográfica sea coherente y estéticamente impactante, evitando un «revoltijo» de movimientos sin intención.

1.1 Ejecución de Movimientos (10 puntos)

Evalúa la precisión, control y calidad técnica de los movimientos ejecutados.

Free Dance permite una fusión de técnicas (ballet, jazz, contemporáneo, urbano, entre otros), pero cada técnica utilizada debe realizarse de manera clara y consciente, respetando sus bases y características propias.

La ejecución debe mantener una transición fluida entre estilos y dinámicas, evitando cortes abruptos o movimientos que carezcan de intención o claridad.

Se valorará la capacidad de los bailarines para proyectar una fusión bien definida, donde cada técnica sea fácilmente reconocible y esté correctamente ejecutada.

Para solistas: Se mide la capacidad de ejecutar movimientos complejos con precisión, destacándose sin apoyo externo y manteniendo coherencia en la fusión de estilos.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Además de la ejecución individual, se evalúa la capacidad del grupo para mantener una coherencia técnica conjunta, asegurando que todos los integrantes respeten las bases técnicas de los estilos fusionados.

Ejemplo positivo: Un cambio de salsa a samba bien ejecutado con transiciones claras y respetando las bases técnicas de ambos estilos.

Ejemplo negativo: Una mezcla que confunde las características de ambos estilos o que carece de fluidez y limpieza.

1.2 Transiciones (10 puntos)

Se analiza la continuidad entre movimientos, asegurando que las transiciones sean fluidas y naturales, sin interrupciones en la energía de la coreografía.

En Free Dance, las transiciones suelen incluir desplazamientos dinámicos, giros y cambios de nivel, que deben realizarse con control y propósito escénico.

Las transiciones también refuerzan la narrativa coreográfica, conectando de manera armoniosa los diferentes estilos y técnicas utilizados.

Se penalizarán las transiciones que carezcan de claridad o propósito, afectando la fluidez y conexión de la coreografía.

Para solistas: Se espera que cada transición complemente la línea estética del movimiento, manteniendo la fluidez sin pausas innecesarias.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Las transiciones deben realizarse de forma sincronizada, respetando el espacio escénico y evitando desajustes entre los integrantes.

1.3 Control Corporal (10 puntos)

Se evalúa el dominio físico y técnico, reflejado en la alineación, postura y estabilidad durante la ejecución.

Free Dance requiere una activación consciente del centro del cuerpo (core) para mantener el equilibrio en movimientos dinámicos, como saltos, giros o descensos al suelo.

Los movimientos deben proyectar una sensación de control y fluidez, incluso en momentos de alta energía o explosividad.

El manejo de peso corporal es esencial para transiciones suaves y ejecuciones seguras, especialmente en combinaciones que incluyan movimientos de suelo.

Para solistas: Se evalúa la capacidad de mantener el equilibrio y el control en todas las dinámicas, proyectando seguridad y confianza.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se mide la uniformidad en el control corporal entre los integrantes, asegurando que todos mantengan una postura y técnica consistentes.

Elementos Clave en la Técnica de Free Dance

Claridad en la fusión: Cada técnica integrada en la coreografía debe ejecutarse de manera precisa y respetando su esencia.

Fluidez y limpieza: Cada movimiento debe ejecutarse con claridad y sin interrupciones en la energía.

Control y estabilidad: La alineación y el balance corporal son fundamentales para proyectar seguridad en la ejecución.

Narrativa técnica: Las técnicas fusionadas deben contribuir al mensaje artístico y evitar mezclas desorganizadas o mal ejecutadas.

En Free Dance, la coreografía es un reflejo de la creatividad, la fusión de estilos y la capacidad de contar una historia o transmitir emociones a través del movimiento. Este bloque evalúa cómo los bailarines integran técnica, originalidad y uso del espacio en una propuesta artística coherente y fluida.

2.1 Creatividad y Originalidad (10 puntos)

Evalúa la capacidad de crear combinaciones únicas y dinámicas que reflejen la esencia de Free Dance, integrando elementos de distintos estilos como ballet, contemporáneo, jazz y urbano.

Se valora la capacidad del coreógrafo para innovar, utilizando movimientos inesperados, estructuras creativas y narrativas emocionales o abstractas.

La originalidad también incluye el uso de elementos escenográficos o accesorios, siempre que complementen la propuesta artística y no limiten la ejecución.

Para solistas: La creatividad se mide en la capacidad de mantener la atención del público, alternando dinámicas, niveles y texturas de movimiento.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se considera cómo el grupo trabaja en formaciones, interacción entre los integrantes y la creación de efectos visuales impactantes.

2.2 Complejidad Técnica (10 puntos)

Se analiza el nivel de dificultad de la coreografía, incluyendo saltos, giros, transiciones rápidas y combinaciones de estilos.

Free Dance exige la integración fluida de técnicas avanzadas, como secuencias de giros en relevé o movimientos de suelo, que deben ejecutarse con precisión y seguridad.

En grupos, la complejidad se incrementa al incluir sincronización y transiciones grupales dinámicas, como cambios de formación o movimientos en canon.

Para solistas: Se espera un equilibrio entre dificultad técnica y control, evitando movimientos forzados o fuera del rango físico del bailarín.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se mide cómo los movimientos individuales se integran en una propuesta grupal coherente y técnicamente desafiante.

2.3 Uso del Espacio (10 puntos)

Se evalúa el aprovechamiento del espacio escénico, asegurando que los bailarines utilicen diferentes áreas del escenario de forma equilibrada y estratégica.

En Free Dance, el movimiento expansivo y los cambios de niveles son clave para crear una propuesta dinámica.

Se valora la capacidad de los intérpretes para desplazarse con fluidez, evitando zonas muertas o estáticas dentro del escenario.

Para solistas: El uso del espacio debe ser expresivo y variado, demostrando control en desplazamientos y proyección en cada dirección.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se espera que las formaciones y transiciones grupales utilicen el espacio de manera efectiva, creando una experiencia visual armónica.

Elementos Clave en la Coreografía de Free Dance

Narrativa o intención artística: La coreografía debe transmitir una idea clara, ya sea abstracta o emocional.

Texturas de movimiento: Alternar entre explosividad, fluidez y pausas controladas para enriquecer la propuesta.

 

Integración grupal: En dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos, los movimientos deben ser cohesivos y trabajar en conjunto con la dinámica de equipo.

La musicalidad en Free Dance es clave para resaltar la conexión entre los movimientos y los elementos rítmicos de la música. Este bloque evalúa cómo los bailarines interpretan la dinámica musical, adaptándose a los cambios de tempo, acentos y emociones presentes en la pista elegida.

3.1 Interpretación Musical (10 puntos)

Evalúa la capacidad del bailarín o grupo de sincronizar los movimientos con los matices de la música, reflejando tanto los ritmos principales como las transiciones melódicas.

En Free Dance, la música puede variar entre géneros clásicos, modernos o fusiones. Es esencial que los bailarines adapten su energía y dinámica al estilo y ritmo de la pieza.

Se valora el juego con acentos musicales, utilizando variaciones de movimientos (rápidos, suaves, explosivos o controlados) para enriquecer la interpretación.

La musicalidad también incluye la capacidad de proyectar las emociones que la música transmite, alineando la intención artística con la ejecución técnica.

Para solistas: Se evalúa cómo el bailarín marca los cambios rítmicos y dinámicos de manera independiente, mostrando una conexión personal con la música.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se mide la capacidad colectiva de interpretar la música de manera sincronizada, evitando desfases o diferencias de intensidad entre los integrantes.

Elementos Clave de la Musicalidad en Free Dance

Conexión con los cambios dinámicos: Los bailarines deben adaptarse a cambios de tempo o intensidad en la música.

Acentos y pausas: Utilizar las pausas o momentos de menor intensidad para generar contrastes en la coreografía.

Proyección emocional: La interpretación debe reflejar la intención de la música, generando un impacto visual y sensorial en el espectador.

Coherencia: El movimiento debe ser congruente con el carácter y estilo musical elegido.

Este bloque evalúa la calidad de ejecución del bailarín o del grupo, asegurando precisión, uniformidad y coherencia visual dentro de la coreografía.

Para solistas, se mide la capacidad de ejecutar con calidad, control y presencia escénica, manteniendo consistencia de principio a fin.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos, se evalúa la sincronización y cohesión grupal, asegurando que los movimientos se realicen con uniformidad y precisión colectiva.

4.1 Ejecución Individual (Solistas) (15 puntos)

Evalúa la precisión, control y proyección del bailarín a lo largo de toda su presentación.

El solista debe demostrar autocontrol total del movimiento, evitando errores de sincronización o desajustes con la música.

La ejecución debe transmitir fuerza, seguridad y fluidez, utilizando el cuerpo como medio expresivo sin depender de otros bailarines.

En Free Dance, la conexión emocional y técnica debe mantenerse constante, alineándose con los cambios rítmicos de la música.

Se mide la capacidad de adaptación a cambios de ritmo y dinámica, asegurando que cada transición sea ejecutada con fluidez y sin pérdida de energía.

Para solistas: Se valora la resistencia, precisión y constancia en la ejecución de los movimientos, garantizando calidad de principio a fin.

4.2 Sincronización y Cohesión (Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (10 puntos)

Se analiza la coordinación entre los bailarines, asegurando que todos mantengan el mismo tiempo y ritmo sin desfases.

Free Dance requiere que los grupos trabajen como una unidad sincronizada, donde cada intérprete complemente el movimiento colectivo.

Se espera que los integrantes ejecuten los movimientos con la misma intensidad y energía, evitando diferencias visuales dentro del equipo.

En los cambios de formación, las transiciones deben ser precisas y fluidas, asegurando que los bailarines se muevan en armonía sin romper la estructura coreográfica.

La sincronización se evalúa en función de la claridad del movimiento y el ajuste rítmico de cada bailarín respecto a los demás.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se valora la uniformidad en el ritmo y las transiciones, proyectando cohesión durante toda la rutina.

4.3 Uniformidad (Solo para Dúos, Tríos, Equipos, Grupos y Mega Grupos) (5 puntos)

Evalúa la homogeneidad en la ejecución de los movimientos, asegurando que todos los intérpretes mantengan la misma estética y energía.

Se mide la consistencia en la postura, amplitud de los movimientos y nivel de intensidad, evitando diferencias entre los miembros del equipo.

Un grupo cohesionado debe moverse como una unidad fluida, donde cada bailarín refuerce la estructura visual sin destacar individualmente (a menos que sea intencional dentro de la coreografía).

Se valoran las formaciones limpias, las transiciones sincronizadas y la unidad en la interpretación de los movimientos.

Elementos Clave de la Ejecución en Free Dance

Definición de los movimientos: Todos los pasos deben ejecutarse con claridad y potencia.

Conexión con la música: La ejecución debe responder directamente a los acentos rítmicos y a la intención artística.

Fluidez y control: El bailarín o grupo debe moverse con seguridad y naturalidad, sin forzar los movimientos.

Precisión y sincronización: Para grupos, es fundamental la exactitud en la ejecución conjunta.

El impacto visual en Free Dance es fundamental para complementar la propuesta artística. Incluye aspectos como el vestuario, la caracterización y la estética general de la presentación. Estos elementos deben estar alineados con la intención de la coreografía y reforzar el mensaje que se desea transmitir.

5.1 Vestuario y Caracterización (10 puntos)

Evalúa la coherencia estética del vestuario y los accesorios en relación con el concepto artístico de la coreografía.

El vestuario debe ser funcional, permitiendo movilidad y comodidad, sin interferir en la ejecución técnica.

En Free Dance, se valora la creatividad en la elección de los elementos visuales, buscando complementar la atmósfera de la pieza.

El uso de maquillaje y peinados debe integrarse de manera sutil, evitando que opaque la interpretación o la técnica.

Para solistas: Se espera que el vestuario resalte la personalidad y expresión del bailarín, manteniendo armonía con la música y el concepto artístico.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evalúa la uniformidad o coordinación del vestuario entre los integrantes, asegurando que refuercen la estética grupal.

Elementos Clave del Impacto Visual en Free Dance

Coherencia conceptual: El vestuario y los elementos visuales deben estar alineados con la propuesta artística.

Funcionalidad: Los accesorios y vestuarios deben ser prácticos y no interferir con los movimientos.

Estilo y creatividad: Se valora la originalidad en la presentación visual.

Uniformidad grupal: En coreografías grupales, los elementos visuales deben generar una sensación de unidad.

La conexión emocional es uno de los pilares de Free Dance, ya que permite a los bailarines transmitir sentimientos y emociones al público. Más allá de la técnica, este bloque evalúa la capacidad de los intérpretes para proyectar su energía, conectar con el público y reforzar la narrativa artística de la coreografía.

6.1 Proyección Escénica (5 puntos)

Evalúa la presencia y actitud del bailarín o del grupo en escena, asegurando que cada movimiento esté cargado de intención y expresividad.

La proyección debe ser natural y convincente, reflejando el carácter y la emoción de la pieza musical seleccionada.

En Free Dance, se espera que los bailarines mantengan una energía constante y que esta sea congruente con los cambios dinámicos de la coreografía.

Para solistas: Se mide cómo el bailarín logra llenar el escenario con su presencia y cómo su interpretación individual impacta al público.

Para dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos: Se evalúa que todos los integrantes proyecten la misma energía, evitando diferencias de intensidad que puedan romper la cohesión.

Elementos Clave en la Proyección Escénica de Free Dance

Autenticidad emocional: Los intérpretes deben reflejar emociones genuinas en sus movimientos.

Presencia escénica: La actitud y energía deben ser constantes y consistentes durante toda la rutina.

Interacción con el público: Se valora la capacidad de generar un impacto emocional directo en los espectadores.

Cohesión grupal: En grupos, la conexión emocional debe ser uniforme, proyectándose como un equipo.

Para garantizar la equidad y el cumplimiento de los estándares de competencia, se aplicarán deducciones en caso de que los participantes no cumplan con ciertos aspectos técnicos o estructurales de la presentación.

Las deducciones se restarán del puntaje total obtenido en la evaluación y aplicarán tanto a solistas, dúos, tríos, equipos, grupos y mega grupos.

7.1 Tiempo Excedido (Restará 3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido.)

Cada categoría tiene un límite de tiempo establecido para su presentación.

Si el tiempo total de la coreografía excede el máximo permitido, se descontarán 3 puntos por cada 10 segundos adicionales.

La duración debe ajustarse estrictamente a la reglamentación del torneo para evitar penalizaciones.

Sugerencia: Es recomendable ensayar con cronómetro para asegurarse de que la coreografía no supere el límite de tiempo.

7.2 Edición Musical Abrupta (Restará 5 puntos si la música termina de forma brusca.)

La edición musical debe ser limpia y fluida, asegurando que la pista finalice de manera natural o con un cierre adecuado.

Si la música se corta de manera repentina o sin un fade out o cierre progresivo, se aplicará una deducción de 5 puntos.

La edición debe estar alineada con el concepto coreográfico, evitando cortes que rompan la experiencia de la presentación.

Sugerencia: Se recomienda revisar la edición de la pista antes del evento y asegurarse de que tenga un cierre limpio.

Elementos Clave para Evitar Deducciones

Verificar la duración de la coreografía: Asegurarse de que la música no sobrepase el tiempo límite.

Editar la música correctamente: Evitar cortes abruptos o terminaciones inesperadas.

Ensayar con la pista final: Comprobar que la edición musical se ajuste bien a la coreografía antes de la competencia.

Nota Importante:

Restricción de Movimientos Peligrosos:

Está prohibido el uso de movimientos y latigazos cervicales en las categorías Baby e Infantil.

En las demás categorías, se recomienda prestar especial atención a la elección de los movimientos, priorizando siempre la seguridad de los bailarines.

Utilización de Elementos y Accesorios en Escena:

La elección de la música debe estar en relación con los elementos utilizados y con la historia que se desea contar o desarrollar en la coreografía.

Se recomienda crear situaciones y construir narrativas que puedan ser adaptadas al grupo, teniendo en cuenta la edad y el perfil de los bailarines.

Se desaconseja el uso de historias de adultos en coreografías infantiles.

Normas sobre el Uso de Elementos Escenográficos:

No habrá restricción en el uso de elementos, siempre que no sean acuosos ni permanezcan en el escenario tras la presentación, pudiendo entorpecer el número siguiente.

Está prohibido el uso de fuego, bengalas o materiales inflamables, ya que representan un riesgo para la seguridad de los participantes y el público.

Si se utilizan accesorios, el grupo deberá retirarlos en el apagón para garantizar la continuidad del evento.

Consideración de Destrezas:

No se evaluarán destrezas provenientes de otras disciplinas o estilos de danza ajenos a la competencia.

El proceso de evaluación se basa en una planilla detallada que abarca diversos aspectos de la presentación. A continuación, se detallan los ítems evaluados y su correspondiente puntaje:

Técnica (30 puntos):

Se evalúa la precisión, el control y la calidad técnica en la ejecución de movimientos, incluyendo transiciones fluidas y control corporal.

Coreografía (30 puntos):

Creatividad y originalidad.

Complejidad técnica.

Uso eficiente del espacio escénico.

Musicalidad (10 puntos):

Interpretación precisa y conexión con los elementos rítmicos y dinámicos de la música.

Ejecución (15 puntos):

Solistas (15 puntos):

Se valora el dominio escénico, la proyección individual y la capacidad de mantener precisión y expresividad durante toda la presentación.

Duos, Trios, Equipos, Grupos y Mega Grupos (15 puntos):

Incluye sincronización, cohesión y uniformidad entre los integrantes, asegurando una ejecución colectiva homogénea.

Impacto Visual (10 puntos):

Vestuario y caracterización, alineados con el estilo y la propuesta artística de la coreografía.

Conexión Emocional (5 puntos):

Capacidad de transmitir emociones, proyección escénica y conexión con el público.

Total: 100 puntos

Deducciones:

Tiempo excedido: -3 puntos por cada 10 segundos adicionales al tiempo máximo permitido (después de los 10 segundos de tolerancia).

Edición musical abrupta: -5 puntos si la música termina de forma brusca.

El profesor es responsable del ingreso y egreso de su alumnado a escena, de revisar la forma de salida e ingreso.

Es responsable civil por cada uno de sus alumnos y por él mismo, y deberá firmar convenio de participación antes del evento como asimismo presentar la documentación, fotocopias de las categorías menores de 18 años con la autorización de los Señores Padres.

La organización obliga al profesor a contratar seguro de responsabilidad por su equipo y el mismo, alumnado y asistentes, o acompañantes, por lesiones o cualquier otro daño que puedan sufrir los participantes a su cargo. Caso contrario se responsabiliza por los inconvenientes originados por tal motivo.

Debe el profesor haber leído y comprendido este reglamento, dirijo solo a los docentes que manejen y empleen técnica de danza con su alumnado, comprendiendo que puede ser re categorizado si su presentación tiene o no la técnica correspondida, y no puede discutir jamás la decisión del jurado.

IMPORTANTE: Los menores de 2 (dos) años no abonan entrada, pero tampoco OCUPAN ASIENTO, caso contrario deberán abonar la misma.

Queda prohibido ocupar los pasillos, de pie, sentados, sea el motivo que fuera.

Cada persona deberá permanecer ubicada en su asiento durante el desarrollo de todo el espectáculo.

Es obligación del docente transmitir estas normas a su público participante.

En el momento de las premiaciones subirá solamente el docente representando a su escuela.

En camarines estará permitido sólo el ingreso del docente y un adulto debidamente identificado por la productora. En el caso que fuera un grupo de más de 30 personas mayoritariamente infantiles, se permitirá el ingreso de un adulto más.

Desde ya a disposición de ustedes para evacuar cualquier consulta al respecto.

Muchísimas gracias por confiar en azul-producciones